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Dario D’Aronco: Internal Models

07.12.17 — 09.02.18

Text by Magalie Meunier

 

 

Galleria Mario Iannelli is pleased to announce “Internal Models”, an exhibition by Dario D’Aronco that presents four new artworks.

 

Positioned on the wall over painted backgrounds, three hollow 3D prints mix the artist’s features with other recognizable objects.

 

These portraits, that reveal a common reality, provide the image of everyday actions: telephoning, offering, drinking. Each one is made up of a part of D’Aronco’s body that has been laser scanned in 3D, then symmetrically doubled using software: the left cheek becomes the counterpart of the right cheek, the left hand that of the right. This self portrait is then associated with a 3D model that has been downloaded from an online database: fast food goblets intertwined on a face (“sipping head”, 2017), a hand holding a telephone (“the calling”, 2017), the same hand offering a fossil (“the gift (ammonite)”, 2017). The new model, having become autonomous, is thus repeated in an uncanny manner.

 

In another part of the gallery, a hypothalamus floating in midair. The sculpture is made out of a magnetic resonance of the brain of the artist, who could translate the data, got from the ultrasound scanning, in 3d model. The hypothalamus is an area of the brain where several endocrine glands are located, they regulate a number of physiological functions of our body.

 

Recent research highlights the preprogrammed behaviour of our actions. It is now possible to measure and situate the exact moment when the decision to act becomes conscious. It intervenes, according to neurobiologist Libet, 345 milliseconds after the triggering of potential readiness. Thus it is the brain alone that decides when to act, independently of the subject’s will. Our actions are thus unconsciously controlled and regulated by an internal element of our own body.

 

Constantly oscillating, the definitions of the term “Internal Model” resonate throughout the exhibition as reverse images of one another. On one hand, the representation of reality through individual thought; on the other, the technology of automatic command, that has the goal of anticipating and correcting the future behaviour of a system.

 

Past is a notion that is just as speculative as the future. The ammonite (a pre human object) is one example. It was called snake-stone in the middle ages in Great Britain, where it was imagined to be curled up snake become stone.

 

Today it is understood to be a prehistoric animal. What meaning will it have in the future? The past is considered to be more concrete and more real than the future through a process of imagining what has already happened. Through conceptual speculation, information is assembled in a more or less conjectural fashion. Ammonite, like the goblet or the telephone has thus become the symbol of these speculations that can be applied to objects. In D’Aronco’s sculptures this timelessness is multiplied and compounded through the use of new technologies and techniques that have come to unsettle and upset the tradition of the self-portrait. The artworks seem to be seeking to defy time and avoid becoming inscribed in time: neither past, nor future, not even present.

 

The uncanny, along with the breath that seems to escape from it, subsists.

 

In (eidolon) 3 illustrations for voice, the first significant solo exhibition by Dario D’Aronco at de Vleeshal, Middelburg in 2013, the sculptures found themselves placed on the ground. The expanses of materials (concrete and paint on fabric) left open, allowing themselves to be permeated by another, different matter, invisible but nonetheless present in the exhibition: the voice of vocalist Michiko Hirayama that flowed over the architecture of the space.

 

3D printing has recently made its appearance in the sculptural practice of Dario D’Aronco, as with the body parts that have been scanned and then reproduced at their actual size, presented here in Galleria Mario Iannelli. This medium brings with it other conceptual and formal implications for the artworks: the printed model is necessarily hollow, existing only as a surface (1).

 

Perhaps it is the flat form, the bilateral symmetry, the defined dimensions and the growth limited in time and space, perhaps because the sculptures seem to develop surfaces of exchange with the surrounding environment (2); suddenly I see the artworks of Dario D’Aronco as so many leaves.

 

“Plants are the things that are the most permeable with the environment, in each one of the elements that makes them up: the roots that are plunged into the earth, the stem that seeks the Sun and the water that nourishes it, along with the air, the breath, that passes through the leaves while being, at the same time, produced by them”(3). The leaf records the passage of the world, the air that caresses it, the rain and the sunlight that mark and crease its surface. Like the photographic cylinder (ancestor of the disk) where beeswax was used to record sound, allowing it to be retransmitted, one could consider the plant as a receiver that is impregnated by the matter which surrounds it. The notion of recording runs through the work of Dario D’Aronco and brings with it a number of questions. How can one seize what in essence cannot be grasped? How can the immaterial be shown? In his piece Shell (2016), the artist revealed the contours of his own torso. This milky sculpture functions like a shell that contains its own negative. What information is revealed when the internal becomes external? What portrait is provided to us?

 

This internal/external duality can be found in recent works. Such as the result of an experiment by neuroscientist Vilayanur S. Ramachandran, who built a mirror box so that patients suffering from phantom limb syndrome could associate the sensations and feelings of their absent limb with the image or reflection of a remaining limb. (4)

 

In a very similar fashion to this psycho-sensorial illusion, the parts of Dario D’Aronco’s body have been copied and doubled in order to reunite things which belong together, like the left hand with its symmetrical counterpart in The gift (2017).The self portrait suddenly refers to its own double, to the other, to the shadow, to the ghost even: the image that does not exist, that does not belong in our reality while actually being present, generating this feeling inherent to the Uncanny (5)… Are we not being sent off to seek the mysterium tremendum? (6)

 

The plant organism, this primary form of life, evolved by creating an atmosphere that was composed essentially of oxygen, from which a number of other living elements could then appear. Using them as a basis for observing the world, one can see that living things do not adapt to a preexisting standard but rather that they modify and evolve their surroundings. As a consequence, plants become part of an environment that they are constantly helping to transform. The container is included in the content (and is thus contained by it) and vice versa (7). This model of reciprocal intertwining is what the Ancients had already named the breath, the Pneuma. This term that comes from the Greek term that means breathe, is linked to the psyche, spirit and soul, as in the expression breath of life.

 

“The primary act of breathing is the innermost movement, form and force”(8). This pneuma connects the different elements of Surface for 5 Female Voices (2014) (9). A note, sung in a continuous breath over several minutes by five women, comes to inscribe its trace on a black painting, impregnating this oily black matter that covers the carpet. This latter takes the shape of a blank canvas stretched over a frame. The women’s voices are layered one upon the other, the visitor is caught up in an organic drone, breathing at the same time as the women. Like them, he finds himself included in the cyclic rhythm of this breathing, he is the content and the container, somewhere between interior and exterior.

 

“I walk along the beach, along the ocean; the long beach, yesterday opened up to the blue sky, is today grey, covered by a dense fog that has invaded everything. I imagine that this breath, this ambient air that conceals the landscape, infiltrates my very interior. Breathing in that grey air, does my interior change color? Does the color spread itself along my nasal cavity until it reaches my lungs, or do its many rays run though my body?”

 

This interest for breath that runs through the work of Dario D’Aronco is equally present in the sculpture PNEUMA by Maria Nordman. This protocol based piece is created in a breath, a body produced by two other bodies: “The sculpture (PNEUMA) is created between any two people who choose to produce a concurrently occurring exhalation as they face each other in an open place at a specific chosen distance where the two exhaled bodies of air meet producing an interference of the two groups of sound waves forming a song”(10). In his research Denis Cerclet (11) evokes this element, produced by friction, that occurs between two others. Let us attempt the experience, let us take our two hands, palm to palm, moved towards each other until the heat exchanged between them can be felt. Let us return to the context of the exhibition: a person facing an artwork; between them, invisible matter. Then, two works that face one another in an exhibition space and finally, here, in Galleria Mario Iannelli, three self portraits by Dario D’Aronco.

 

“The world is united by breath (…) the fact of breathing is not simply a physiological necessity; it is the rhythm and structure of our being in the world. There is no analogy and no univocity between myself and the air that I breathe. And yet breath creates a unity that is both physical and metaphysical. It is the movement that allows the disparate set of things, events and materials that are here to become coherent, to be one”(12).

 

 

(1) “One of the reasons that I like 3d printing in relation to the body is that the 3d printed model must be hollow inside. This because it is faster to print and you save material, this technical reason also has conceptual and thus formal implications.” Conversation between the artist and the author, September 2017.
(2) Larousse French Dictionary.

(3) In Emanuele Coccia, La vie des plantes, une métaphysique du mélange. 2016.
(4) “When a person loses an arm or a leg, they may continue to feel muscular pain that is associated with this missing limb. This two-part box with a mirror inside creates for the patient the illusion that the missing limb is still present.” 14th Istanbul Biennial Saltwater Catalogue, 2015
(5) Sigmund Freud, The Uncanny (Das Unheilmliche), 1919
(6) The Numinous is, according to Rudolf Otto and Carl Gustav Jung, that which is grasped by the individual, that which comes from “elsewhere”, giving him the feeling of being dependent on an “all Other”. It is “a feeling of absolute presence, a divine presence. It is both mystery and terror, this is what Otto calls the mysterium tremendum”.
(7) “To breathe, to inhale, means to actually have this experience: what contains us, the air, becomes contained within us and, conversely, what was contained within us becomes what contains us. To breathe means to be immersed in an environment that penetrates us with the same intensity with which we penetrate it. “ in Emanuele Coccia, La vie des plantes, une métaphysique du mélange. 2016.
(8) Conversation between the artist and the author, September 2017.
(9) Presented in the exhibition “Tomorrow in the Battle Think on Me”, at the Institut d’art Contemporain in 2015.
(10) Extract from the artwork PNEUMA by Maria Nordman (date unknown).
(11) Anthropologist, lecturer at the Université Lumière – Lyon 2, member of the Centre de recherches et d’études anthropologiques (CREA), within the framework of his research with the laboratory of tribology, the science of rubbing and friction.
(12) Interview between Johan Faerber and Emanuele Coccia, in the online magazine DIACRITIK, May 3rd, 2017.

 

 

This exhibition is kindly supported by Mondriaan Fonds

 

 

Testo di Magalie Meunier

 

 

Galleria Mario Iannelli è lieta di annunciare “Internal Models”, una mostra di Dario D’Aronco che presenta quattro nuove opere.
Posizionate sul muro su un fondo dipinto, tre stampe 3D cave mescolano i caratteri anatomici dell’artista con altri oggetti.

 

Questi ritratti, come appartenenti ad una stessa realtà, forniscono l’immagine di azioni quotidiane: telefonare, offrire, bere. Ognuno di loro è costituito da una parte del corpo di D’Aronco che è stata precedentemente scansionata con uno scanner laser 3D, successivamente doppiata simmetricamente attraverso un software: la guancia sinistra diventa la controparte della guancia destra, la mano sinistra di quella destra. L’autoritratto è quindi associato a un modello 3D che è stato scaricato da un database online: dei bicchieri da fast food si intersecano con una faccia (“sipping head”, 2017), una mano che impugna un telefono (“the calling”, 2017), la stessa mano che offre un fossile (“the gift (ammonite)”, 2017). Il nuovo modello, divenuto autonomo, è così riproposto in maniera sconcertante.

 

In un’altra parte della galleria un ipotalamo fluttua a mezz’aria. La scultura è ottenuta da una risonanza magnetica del cervello dell’artista il quale ha potuto tradurre le informazioni, ottenute dalla scansione ad ultrasuoni, in modello 3D. L’ipotalamo è un area del cervello in cui sono collocate differenti ghiandole endocrine che regolano alcune funzioni fisiologiche del nostro corpo.

 

Recenti ricerche mettono in luce il comportamento pre-programmato delle nostre azioni. Ora è possibile misurare e situare il momento esatto in cui la decisione di agire diventa consapevole. Interviene, secondo il neurobiologo Libet, 345 millisecondi dopo l’innesco di una potenziale prontezza. Quindi è il solo cervello che decide quando agire, indipendentemente dalla volontà del soggetto. Le nostre azioni sono così inconsciamente controllate e regolate da un elemento interno al nostro corpo.

 

Oscillando costantemente, i significati del termine “Internal Model” risuonano in tutta la mostra come immagini inverse l’una dell’altra. Da un lato, la rappresentazione della realtà attraverso il pensiero individuale; dall’altra, la tecnologia di un processo che anticipa e corregge i comportamenti futuri di un sistema.
Il passato è un concetto soggetto a speculazione quanto il futuro. L’ammonite (un oggetto pre umano) ne è un esempio. Era chiamata snake-stone nel medio evo in Gran Bretagna, dove credevano che fosse un serpente avvolto e successivamente pietrificato. Oggi è definito come animale preistorico. Quale sarà il suo significato futuro? Il passato è considerato più concreto e più reale del futuro attraverso un processo di immaginazione di ciò che è già accaduto. Attraverso la speculazione concettuale, l’informazione viene assemblata in modo più o meno congetturale. L’ammonite, come il bicchiere o il telefono è diventato così il simbolo di queste speculazioni che possono essere applicate agli oggetti. Nelle sculture di D’Aronco questa atemporalità è moltiplicata e aumentata dall’uso di nuove tecnologie e tecniche che sono venute a turbare e sconvolgere la tradizione dell’autoritratto.

 

Le opere sembrano voler sfidare il tempo ed evitare di essere iscritte nel tempo: nel passato, nel futuro come nel presente.
Lo sconcertante, insieme al respiro che sembra fuggire da esso, sussiste.

 

In (eidolon) 3 illustrations for voice, la prima significativa mostra personale di Dario D’Aronco al De Vleeshal, Middelburg nel 2013, le sculture sono situate a terra. Le distese di materiali (cemento e pittura su tessuto) sono lasciate aperte, lasciandosi permeare da un’altra, differente materia, invisibile ma comunque presente nella mostra: la voce del cantante Michiko Hirayama che risuonava nell’architettura dello spazio. La stampa 3D ha recentemente fatto la sua apparizione nella pratica scultorea di Dario D’Aronco, come le parti del corpo che sono state scansionate e poi riprodotte nella loro dimensione reale, presentate qui nella Galleria Mario Iannelli. Questo medium porta con sé altre implicazioni concettuali e formali per le opere: il modello stampato è necessariamente vuoto, esiste solo come superficie (1). Forse è la forma piatta, la simmetria bilaterale, le dimensioni definite e la crescita limitata nel tempo e nello spazio, forse perché le sculture sembrano sviluppare superfici di scambio con l’ambiente circostante (2); improvvisamente vedo le opere di Dario D’Aronco come tante foglie.

 

“Le piante sono le cose che sono più permeabili con l’ambiente, in ciascuno degli elementi che le compongono: le radici che sono immerse nella terra, il gambo che cerca il sole e l’acqua che lo nutre, insieme all’aria, il respiro, che passa attraverso le foglie pur essendo, allo stesso tempo, prodotto da loro “ (3). La foglia registra il passaggio del mondo, l’aria che l’accarezza, la pioggia e la luce del sole che segnano e screpolano la sua superficie. Come il cilindro fotografico (antenato del disco) in cui è stata usata la cera d’api per registrare il suono, consentendone la ritrasmissione, si potrebbe considerare la pianta come un ricevitore che è impregnato dalla materia che lo circonda. La nozione di registrazione attraversa il lavoro di Dario D’Aronco e porta con sé una serie di domande. Come si può cogliere ciò che in sostanza non può essere afferrato? Come può essere mostrato l’immateriale? Nel suo pezzo “Shell” (2016), l’artista ha rivelato i contorni del proprio torso. Questa scultura lattea funziona come un guscio che contiene il suo negativo. Quale informazione viene rivelata quando l’interno diventa esterno? Quale ritratto ci viene fornito?

 

Questa dualità interna / esterna può essere trovata in lavori recenti. Come il risultato di un esperimento del neuroscienziato Vilayanur S. Ramachandran, che costruì una scatola di specchi in modo che i pazienti affetti da sindrome degli arti fantasma potessero associare le sensazioni del loro arto assente all'immagine o al riflesso di un arto rimanente (4). In modo molto simile a questa illusione psico- sensoriale, le parti del corpo di Dario D'Aronco sono state copiate e raddoppiate per riunire le cose che appartengono insieme, come la mano sinistra con la sua controparte simmetrica in "The gift" (2017). L'autoritratto si riferisce all'improvviso al proprio doppio, all'altro, all'ombra, al fantasma: l'immagine che non esiste, che non appartiene alla nostra realtà mentre è effettivamente presente, generando questa sensazione inerente all'inconscio (5) ... Non siamo stati espulsi per cercare il mysterium tremendum? (6)

 

L'organismo vegetale, questa forma primaria di vita, si è evoluta creando un'atmosfera composta essenzialmente di ossigeno, da cui poi apparivano molti altri elementi viventi. Usandoli come base per osservare il mondo, si può vedere che gli esseri viventi non si adattano a uno standard preesistente, ma piuttosto modificano ed evolvono ciò che li circonda. Di conseguenza, le piante diventano parte di un ambiente che aiutano costantemente a trasformare. Il contenitore è incluso nel contenuto (ed è quindi contenuto da esso) e viceversa (7). Questo modello di intreccio reciproco è ciò che gli Antichi avevano già chiamato il respiro, il Pneuma. Questo termine che deriva dal termine greco che significa respiro, è legato alla psiche, allo spirito e all'anima, come nell'espressione respiro della vita.

 

"L'atto primario del respiro è il movimento, la forma e la forza più intimi" (8). Questo pneuma collega i diversi elementi di Surface per 5 Female Voices (2014) (9). Una nota, cantata in un respiro continuo per diversi minuti da cinque donne, arriva a inscriverne la traccia su un quadro nero, impregnando questa materia nera oleosa che ricopre il tappeto. Quest'ultimo prende la forma di una tela bianca allungata su una cornice. Le voci delle donne sono sovrapposte l'una sull'altra, il visitatore è coinvolto in un drone organico, respirando allo stesso tempo delle donne. Come loro, si trova incluso nel ritmo ciclico di questo respiro, è il contenuto e il contenitore, da qualche parte tra l'interno e l'esterno.

 

Cammino lungo la spiaggia, lungo l’oceano; la lunga spiaggia, ieri aperta fino al cielo blu, è oggi grigia, coperta da una fitta nebbia che ha invaso tutto. Immagino che questo respiro, quest’aria ambientale che nasconde il paesaggio, si infiltrino nel mio stesso interno. Respirando quell’aria grigia, il mio interno cambia colore? Il colore si diffonde lungo la mia cavità nasale fino a raggiungere i miei polmoni, o i suoi molti raggi corrono attraverso il mio corpo?

 

Questo interesse per il respiro che attraversa il lavoro di Dario D'Aronco è ugualmente presente nella scultura PNEUMA di Maria Nordman. Questo pezzo basato su protocollo è creato in un respiro, un corpo prodotto da altri due corpi: "La scultura (PNEUMA) viene creata tra due persone che scelgono di produrre un'espirazione che si verifica simultaneamente mentre si fronteggiano in un luogo aperto ad una specifica distanza scelta dove i due corpi d'aria espirati si incontrano producendo un'interferenza dei due gruppi di onde sonore che formano un canto " (10). Nella sua ricerca Denis Cerclet (11) evoca questo elemento, prodotto dalla frizione, che si verifica tra due altri. Proviamo l'esperienza, prendiamo le nostre due mani, palmo a palmo, portandole l'una verso l'altra fino a sentire il calore scambiato tra loro. Torniamo al contesto della mostra: una persona che guarda un'opera d'arte; tra loro, materia invisibile. Poi, due opere che si guardano in uno spazio espositivo e infine, qui, nella Galleria Mario Iannelli, tre autoritratti di Dario D'Aronco.

 

"Il mondo è unito dal respiro (...) il fatto di respirare non è semplicemente una necessità fisiologica; è il ritmo e la struttura del nostro essere nel mondo. Non c'è analogia e nessuna univocità tra me e l'aria che respiro. Eppure il respiro crea un'unità che è sia fisica che metafisica. È il movimento che permette al set disparato di cose, eventi e materiali che sono qui per diventare coerenti, di essere uno ". (12)

 

E così sorge la questione di questa unità, di questo "uno" unito dal respiro. Quando tre sculture si fronteggiano formano una totalità? Il gruppo condivide qualcosa? Diventano "uno"? Un sistema in cui condividono un ambiente comune e interagiscono attraverso la costituzione di una rete di relazioni? Alla domanda "le piante potrebbero non fornire un modello, se non un paradigma per la comunità?", Coccia risponde negativamente, riferendosi invece al cosmo. Continueremo l'analogia, prendendo la strada opposta e immaginando cosa verrà dopo.

 

(1) “Uno dei motivi per cui mi piace la stampa 3d in relazione al corpo è che il modello stampato in 3D deve essere vuoto all’interno. Questo perché è più veloce da stampare e si risparmia materiale, questa ragione tecnica ha anche implicazioni concettuali e quindi formali.“ Conversazione tra l’artista e l’autore, settembre 2017.
(2) Dizionario Francese Larousse.

(3) In Emanuele Coccia, La vie des plantes, une métaphysique du mélange. Il 2016.
(4) “Quando una persona perde un braccio o una gamba, può continuare a sentire dolore muscolare associato a questo arto mancante. Questa scatola in due parti con uno specchio all’interno crea per il paziente l’illusione che l’arto mancante sia ancora presente. “ 14th Istanbul Biennial Saltwater Catalogue, 2015 (5) Sigmund Freud, The Uncanny (Das Unheilmliche), 1919
(6) Il Numinoso è, secondo Rudolf Otto e Carl Gustav Jung, ciò che è afferrato dall’individuo, ciò che viene da “altrove”, dandogli la sensazione di essere dipendente da un “tutto l’altro”. È “un sentimento di presenza assoluta, una presenza divina, è mistero e terrore, questo è ciò che Otto chiama il mysterium tremendum”.
(7) “Respirare, inalare, significa effettivamente avere questa esperienza: ciò che contiene noi, l’aria, si contiene dentro di noi e, al contrario, ciò che era contenuto dentro di noi diventa ciò che ci contiene. Respirare significa immergersi in un ambiente che ci penetra con la stessa intensità con cui lo penetriamo.“ in Emanuele Coccia, La vie des plantes, une métaphysique du mélange. 2016.
(8) Conversazione tra l’artista e l’autore, settembre 2017.
(9) Presentato nella mostra “ Tomorrow in the Battle Think on Me “, presso l’Institut d’art Contemporain nel 2015.
(10) Estratto dall’opera PNEUMA di Maria Nordman (data sconosciuta).
(11) Antropologo, docente all’Université Lumière - Lyon 2, membro del Centre de recherches et d’études antropologiques (CREA), nell’ambito della sua ricerca con il laboratorio di tribologia, la scienza dello sfregamento e dell’attrito.
(12) Intervista tra Johan Faerber ed Emanuele Coccia, nella rivista online DIACRITIK, 3 maggio 2017.

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